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La question que vous vous posez certainement, c’est s’il est possible de travailler avec de l’aquarelle fine ou pas. Ma réponse est oui : personnellement j’ai débuté avec une petite boîte d’aquarelle fine de 12 couleurs de la marque Lefranc & Bourgeois. Cela m’a permis de faire mes premières expériences et de valider le fait que j’aimais l’aquarelle avant d’investir dans de l’aquarelle extra-fine. Pour le test, j’ai comparé des couleurs de cette aquarelle avec des couleurs de l’aquarelle extra-fine Sennelier que j’utilise aujourd’hui. C’est à prendre à titre indicatif, car je n’avais pas exactement les mêmes couleurs dans les 2 gammes, alors j’ai du utiliser des couleurs approchantes. En tout cas, à l’oeil nu, je ne distingue pas de différence flagrante dans la vivacité des couleurs entre mon aquarelle fine et mon aquarelle extra-fine.

​J’ai également fait le test en conditions de peinture réelle : j’ai refait 2 fois la même peinture, en procédant de la même manière et en utilisant les mêmes teintes pour faire mes mélanges. Je peux dire que les mélanges se faisaient très bien et que l’application de la peinture était aisée dans les 2 cas. De nouveau, à l’oeil nu je ne vois pas de différence flagrante dans la vivacité des couleurs entre aquarelle fine et aquarelle extra-fine. Cette différence serait peut-être visible après plusieurs mois d’exposition à la lumière, car l’aquarelle extra-fine est censée mieux se conserver dans le temps vu sa qualité. C’est pour cette raison que cela vaut le coup de s’orienter vers de l’extra-fine quand on se rend compte qu’on adore vraiment l’aquarelle et qu’on veut conserver ses oeuvres, et surtout si on compte les vendre. Mais pour débuter, il est déjà possible de s’amuser et de faire de belles choses avec de l’aquarelle fine, ce qui est plutôt une bonne nouvelle pour ceux qui ont un budget restreint !

Bien sûr, il est aussi possible d’acheter une boîte avec un assortiment de couleurs tout prêt, comme la boîte d’aquarelle fine Lefranc & Bourgeois avec laquelle j’ai débuté. C’est pratique si vous débutez et que vous ne savez pas du tout quelles couleurs choisir, d’autant plus que les assortiments de couleurs sont généralement bien pensés. Par la suite, si vous trouvez qu’il vous manque des couleurs, rien ne vous empêche d’acheter des godets supplémentaires et de les ajouter dans votre boîte. Bien sûr, si vous voulez avoir cette flexibilité, pensez à acheter une boîte dans laquelle de la place a été prévue pour ça !

Alors dans la pratique, quelle différence entre peinture en tube et peinture en godet, et pourquoi choisir l’un plutôt que l’autre ? Une première différence peut se situer au niveau du prix à l’achat. Le demi-godet étant de manière générale moins cher que le tube de taille standard, le budget dont vous disposez va peut-être orienter votre choix, surtout si vous avez tout un assortiment de couleurs à vous faire. Une autre différence se situe au niveau de la flexibilité : pour pouvoir utiliser des demi-godets, il faut obligatoirement une boîte d’aquarelle dans laquelle les maintenir, car il n’est pas possible de récupérer la peinture sur un godet qui se balade ! 

​Ce genre de boîte à godets est très pratique pour emporter avec soi en plein air, mais pour travailler en atelier les options sont limitées. De plus, quand on a de gros pinceaux, il devient très difficile de récupérer de la peinture dans les demi-godets. Au contraire, avec de l’aquarelle en tube, il est possible d’utiliser à peu près tout et n’importe quoi comme palette. Personnellement, quand je travaille avec un nombre de couleurs réduit, j’aime utiliser des assiettes rectangulaires blanches achetées pour même pas 1 euro chez l’Incroyable, je trouve cela très pratique. 

​Autrement, j’aime les palettes plates avec des puits qui n’ont qu’une toute petite bordure, car il est très facile de récupérer la peinture pour l’amener dans la zone de mixage afin de préparer des jus pour de grands lavis. Et quand j’ai vraiment beaucoup de jus à préparer, j’opte pour de petites coupelles (aussi achetées à même pas 50 centimes chez l’Incroyable). Avec l’aquarelle en tube, tout est possible : j’achète aussi des godets vides pour mes palettes de plein air, et je les remplis avec ma peinture.

Autre critère en faveur des tubes : la facilité à obtenir des couleurs sombres et crémeuses. Sur la photo ci-dessous, j’ai appliqué un Bleu d’Anvers de la marque Winsor & Newton en essayant d’obtenir la couleur la plus sombre possible. Sur la gauche je l’ai fait avec de l’aquarelle en godet et sur la droite avec de l’aquarelle en tube. Avec l’aquarelle en tube, ma couleur était plus crémeuse, et après séchage on voit qu’elle est plus sombre que celle appliquée avec l’aquarelle en godet.

​Cela va être d’autant plus important quand on va vouloir obtenir des couleurs sombres par mélange. Sur la photo ci-dessous j’ai mélangé du Bleu Outremer foncé et de la Terre de Sienne brûlée (aquarelle extra-fine Sennelier) pour obtenir un gris foncé. Je souhaitais me rapprocher le plus possible du noir. Sur la gauche, j’ai travaillé avec de l’aquarelle en godet et sur la droite avec de l’aquarelle en tube. Premier constat : il m’a fallu du temps et des efforts pour mélanger mon gris avec l’aquarelle en godet. J’ai du rouler maintes fois mon pinceau sur les plaques d’aquarelle pour récupérer suffisamment de pigment, retourner prendre de l’eau, recommencer à récupérer du pigment... Au contraire, avec l’aquarelle en tube, il m’a suffi de déposer un peu de peinture fraîche sur ma palette, de la mélanger avec un peu d’eau, et hop ! En quelques secondes j’avais un mélange très sombre et crémeux, proche du noir que je souhaitais obtenir. Et après séchage, la couleur obtenue avec l’aquarelle en godet reste plus claire que celle obtenue avec l’aquarelle en tube. C’est pour cela que je préfère largement travailler avec de l’aquarelle en tube, même si c’est un peu cher à l’achat, car quand j’ai beaucoup de mélanges de couleurs à faire et que je travaille sur de grandes oeuvres, cela m’enquiquine très rapidement de devoir passer des heures à faire mes mélanges de couleurs pour préparer mes lavis.

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​Noms de couleurs et noms de pigments

La première information importante que l’on trouve sur un tube ou un godet, c’est bien sûr le nom de la couleur. Mais il faut savoir que les fabricants donnent les noms à leurs couleurs un peu selon leur fantaisie. Il y a bien évidemment des noms qui reviennent entre les différentes marques d’aquarelle (exemple de classiques : bleu cobalt, bleu outremer, vert émeraude, terre de Sienne brûlée, or de quinacridone, magenta...), mais ils ne correspondent pas forcément exactement à la même teinte.

Cela se remarque aisément quand on comprend le nom des pigments. Si on regarde par exemple le nom du pigment qui correspond à la terre de Sienne brûlée de la marque Winsor & Newton, on voit qu’il s’appelle PR101. Qu’est-ce que cela signifie ? “PR” veut dire “pigment red” = pigment rouge en français, et 101 est le numéro qui désigne le pigment. Tous les pigments sont désignés ainsi, avec un “P” pour “pigment”, suivi d’une ou deux lettres qui nous indique le groupe de couleur à laquelle appartient le pigment et d’un numéro qui identifie le pigment lui-même.

Pour que vous vous y retrouviez, voici la traduction pour les différents groupes de couleur :

• PY = “pigment yellow” pour les pigments jaunes
• PO = “pigment orange” pour les pigments oranges
• PR = “pigment red” pour les pigments rouges
• PV = “pigment violet” pour les pigments violets
• PB = “pigment blue” pour les pigments bleus
• PG = “pigment green” pour les pigments verts
• PBr = “pigment brown” pour les pigments bruns
• PW = “pigment white” pour les pigments blancs
• PBk = “pigment black” pour les pigments noirs

Ainsi, si on reprend notre Terre de Sienne brûlée et qu’on compare le pigment qui la constitue entre les marques Winsor & Newton et Sennelier, on voit que dans le premier cas elle correspond au pigment rouge 101, comme nous l’avons vu précédemment, alors que dans le second elle correspond au pigment brun 7. 

​Résistance à la lumière

​Une autre information qui ne sera peut-être pas de première importance si vous débutez mais qui peut rapidement devenir très importante si vous souhaitez conserver vos oeuvres, et surtout si vous souhaitez les vendre, c’est la résistance à la lumière (= lightfastness en anglais). La résistance à la lumière, c’est la manière dont une couleur se dégrade lorsqu’elle est exposée à la lumière dans des conditions dites “normales”, par exemple lorsqu’une oeuvre est encadrée et accrochée au mur. Et quand on encadre une oeuvre pour l’exposer, on a envie qu’elle reste exactement telle qu’elle est pour disons... les 150 prochaines années minimum ? Dans ce cas, il faut s’assurer d’utiliser des couleurs qui soient bien résistantes à la lumière, sinon on court le risque de voir certaines couleurs s’affadir ou changer de teinte avec le temps.

​Transparence et opacité

​La transparence et l’opacité va être un critère important à prendre en compte dans le choix de vos couleurs. L’aquarelle est un médium transparent par nature, mais certaines couleurs sont dites transparentes alors que d’autres sont dites opaques ou semi-opaques. Pour vous montrer la différence entre les deux, j’ai appliqué 2 jaunes citrons de l’aquarelle extra-fine Sennelier sur une bande noire. Celui du haut est opaque alors que celui du bas est transparent, et après séchage on voit que celui qui est opaque est beaucoup plus couvrant, même si l’opacité n’est pas totale car ce n’est pas une gouache ou une acrylique.

​Certains aquarellistes vous diront d’éviter absolument les couleurs opaques et de ne travailler qu’avec des couleurs transparentes. Personnellement, je ne serai pas aussi radicale : je pense qu’il faut surtout comprendre la différence qu’il y a dans la pratique entre couleurs transparentes et couleurs opaques, et comment les utiliser à bon escient. C’est vrai que les couleurs opaques peuvent être plus difficile à utiliser, surtout pour les débutants, car elles sont plus denses et crémeuses, elles fusent moins, et celles qui contiennent du blanc produisent des effets laiteux. Cela fait que si on en utilise beaucoup et qu’on commence à toutes les mélanger entre elles sans réfléchir, on peut très rapidement perdre la fraîcheur de l’aquarelle et arriver à des couleurs bourbeuses. En revanche, cette densité et le côté laiteux des couleurs qui contiennent du blanc peut tourner à notre avantage dans certains cas. Par exemple sur l’image ci-dessous, j’ai souhaité faire un ciel au-dessus de cette plage en travaillant mouillé sur mouillé, en imaginant  que le bas du ciel avait une teinte un peu ocre, comme cela se produit parfois quand le ciel est un peu voilé au-dessus de l’océan. J’ai commencé par appliquer sur le bas du ciel un jaune de Naples, une couleur opaque contenant du blanc.

Ensuite, pour faire le bleu du ciel, j’ai choisi d’utiliser un bleu royal, qui est aussi une couleur opaque contenant du blanc. Le fait qu’il fuse moins qu’un bleu transparent m’a aidé à délimiter de petits nuages en évitant qu’ils ne se réduisent trop rapidement comme peau de chagrin. Et quand je suis venue appliquer un peu de bleu dans le bas du ciel, là où il y avait déjà du jaune, le fait que les deux couleurs soient assez désaturées par le blanc qu’elles contiennent m’a permis d’éviter que le bas de mon ciel ne prenne une couleur trop verte. Si j’avais utilisé des couleurs intenses telles que le bleu phtalo et l’or de quinacridone, j’aurais terminé avec un ciel tout vert en bas !

Un autre cas où il peut être utile d’avoir quelques couleurs opaques à sa palette, c’est pour récupérer quelques petits rehauts de lumière qu’on aurait perdu. Par exemple ici j’ai détaché quelques brins d’herbes plus clairs sur le fond sombre grâce à des jaunes opaques. Bien évidemment, cela n’aura pas la même fraîcheur qu’avec de l’aquarelle transparente, mais si cela reste sur de petits détails ce n’est pas gênant. 

​Même chose si vous avez croqué rapidement de petites silhouettes de personnages, rien ne vous empêche de venir les réveiller par la suite grâce à l’emploi de quelques couleurs opaques. Donc pour résumer, mon conseil c’est d’utiliser quand même majoritairement des couleurs transparentes pour préserver la fraîcheur de l’aquarelle, mais de ne pas se priver complètement des couleurs opaques comme s’il y avait une interdiction à les utiliser. Le tout c’est de comprendre comment elles réagissent, de bien les identifier sur sa palette, et de les utiliser plutôt pures, diluées quand c’est possible, ou en mélange avec des couleurs transparentes pour éviter la gadoue résultant du mélange de plusieurs opaques entre elles. Ou bien d’utiliser leur pouvoir couvrant à la fin d’une oeuvre pour ajouter des touches de couleurs ou des rehauts de lumière.

​Granulation

​Un autre type de couleurs qu’il faut bien identifier au risque d’avoir de drôles de surprises, ce sont les couleurs granulantes. Elles possèdent des pigments plus lourds qui se déposent dans les creux du papier en créant de magnifiques effets de textures. C’est extrêmement pratique pour simuler sans effort certains matériaux comme du sable (j’en ai utilisé pour le sable de la plage au-dessus), de la roche, du bois, la façade décrépite d’un bâtiment, et cela permet de créer des effets surprenants parfois.

​En revanche dans certains cas on n’aura surtout pas envie que nos couleurs se mettent à granuler, comme par exemple quand on veut faire un beau ciel bleu bien limpide ! En parlant de ciel bleu, sachez que les bleus Cobalt et les bleus Outremer ont généralement tendance à granuler un peu. Quelle surprise lorsque j’ai débuté et que j’ai voulu faire un ciel de nuit autour d’un building : j’ai vu le bleu outremer se déposer dans les creux du papier et je me suis demandée si mon bleu avait un problème ou si j’avais fait une mauvaise manipulation pour causer cela.

​Les fabricants nous indiquent souvent par un “G” qu’une couleur est granulante. Chez Daniel Smith, ils nous mettent “Y” pour Yes = oui, la couleur est granulante et “N” pour No = non, la couleur n’est pas granulante. Sur le nuancier de l’extra-fine Sennelier, je n’ai pas trouvé l’information précise, sans doute parce que leurs couleurs ne granulent pas et ou peu. Je me suis fait la réflexion qu’il fallait regarder l’aspect des petites vignettes couleurs pour prédire si une couleur est susceptible de granuler. Par exemple, je sais que leur violet bleu granule un peu, car je l’ai à ma palette, de même que leur terre de Sienne naturelle.

​Pouvoir teintant ou colorant

​Dernière chose à laquelle il va falloir faire attention, c’est le pouvoir teintant ou le pouvoir colorant de certaines couleurs (=staining en anglais). Ce sont des couleurs dont les pigments extrêmement fins ont la capacité d’adhérer fortement au papier et de le teinter de manière irrémédiable. C’est souvent le cas des phtalo verts et bleus par exemple. Ce genre de couleur peut être utile pour effectuer des lavis en sous-couche très lumineux, qui resteront bien en place lorsqu’on viendra ​effectuer des glacis par-dessus. En revanche, cela peut être problématique si on souhaite effectuer des retraits après que la peinture ait séché, pour récupérer des lumières par exemple. Ici par exemple j’ai effectué un retrait sur un vert émeraude et sur un turquoise de phtalo : dans le cas du vert émeraude, j’ai quasiment récupéré le blanc du papier, alors que dans le cas du turquoise de phtalo le papier conserve une teinte légèrement bleutée.