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La galerie de mes dessins durant mes formations

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  • SWASTHI
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    Ici, je réunis l’ensemble des dessins et croquis produits durant mes formations et aussi ceux de mes participations aux challenges afin que je puisse me rendre mieux compte de mon évolution. Pour obtenir une certaine continuité dans la lecture de mes dessins, j’ai réserver des posts donc ne vous inquiétez pas si vous trouvez des emplacements vides. Ils se rempliront au fur et à mesure de mon avancée dans les formations. Merci de votre compréhension.

    Tout commence par la formation croquis module 1


    SWASTHI
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    formation croquis module 1 bis


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    Formation croquis module 1 ter


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    Formation Croquis module 2

    Dessins aux crayons graphites en reprenant les cabanons du module 1

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    SWASTHI
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    Formation croquis module 2

    Dessins d’un bouquetin, différents rendus.


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    Formation croquis module 2

    Je change de médiums.


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    Formation croquis module 2

    Là ce sont des études avec comme contrainte de ne pas dépasser une heure de travail. J’ai essayé la gomme mie de pain pour la toison du mouton et malheureusement, j’ai dessiné le nez du petit chiot un peu trop long et cela le fait paraître plus âgé. Nobody is perfect!


    TéTé
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    @aad-1473791758 (SWASTHI)

    c’est le premier bouquetin où je vois le plus de volumes. Mais ils sont tous bien, les autres aussi ! tu produis beaucoup, c’est super ça, t’as l’air de bien t’amuser !  🙂


    SWASTHI
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    Formation croquis module 3: Présentation de trois styles différents sur un même sujet.

    Pour le premier, j’ai choisi VINCENT VAN GOGH (1853-1890).(1/3)

    Je connaissais Vincent Van Gogh en tant que peintre mais j’ignorais qu’il fut l’un des plus grands dessinateurs de l’ère impressionniste et postimpressionniste.

    Ses premiers dessins semblent presque maladroits mais au fil des ans, il trouve son style et révèle son art. Il a utilisé beaucoup de médiums comme les crayons gras, la craie noire, les mines de plomb et autres minéraux foncés et aussi de l’aquarelle. Mais ce sont ses dessins à l’encre, tracés à la plume ou au roseau taillé, que son talent se manifeste le plus. Hachures, pointillés et lignes ondulantes expriment une grande précision et une recherche de la perfection mais surtout une énergie vivace et envoutante.

    En observant la production dessinée de Van Gogh, on s’aperçoit qu’elle représente une étonnante diversité. Pourtant la carrière de ce peintre n’a duré qu’une dizaine d’années.

    Dans ses premières œuvres, il divisait parfois son dessin par plans et leur attribuait un style de trait spécifique (premier plan, plan intermédiaire, arrière-plan), notamment pour le sol. Puis il a consacré les trois dernières années de sa vie à dessiner et il a travaillé très fort pour arriver à obtenir une réelle maitrise.

    J’ai surtout étudié les paysages de cette période. Ce qui me saute aux yeux dans son style, c’est qu’il remplace chaque élément naturel qui constitue le dessin par un motif, dans le sens d’un assemblage géométrique élémentaire. Par exemple, il va utiliser des points pour représenter un muret, des lignes courtes et ondulantes pour un champ, des hachures pour des bâtiments ou des cercles concentriques et en pointillés pour le ciel. Cela donne une lisibilité et une richesse incroyable au dessin. C’est la densité des points et des traits qui traduisent les valeurs. Si on plisse les yeux, on le voit bien mais on voit aussi que la séparation des éléments est beaucoup plus lisible avec ces motifs juxtaposés qu’avec de simples traits à la plume pour délimitation.

    Je trouve génial sa façon de substituer les valeurs classiques du dessin par des motifs en jouant sur la densité et la direction de ses traits.

    J’ai expérimenté plusieurs médiums pour tenter de reproduire son style librement. La plume, des feutres et le pen brush de chez Pentel.

    j’ai trouvé que les feutres possédaient une pointe trop dure pour dessiner la variété de traits nécessaires à ce style. C’est avec le Pentel que j’ai eu les meilleurs résultats, sur papier Bristol. C’était la première fois que je l’utilisais. Produit tout neuf, sorti de l’emballage. L’encre permet aussi des dégradés qui ne sont pas inintéressants mais je trouve que mes rendus à l’encre sont un peu rigides dans le trait. Je comprends pourquoi Van Gogh préférait le roseau taillé, cela devait lui donner plus de force et de souplesse que la plume.

    Au final, j’ai travaillé avec plusieurs photos, assez librement dans leur interprétation et il en manque une que je n’ai pas retrouvée.

    A et B   Essais de motifs vangoghiens au Pentel.

    C            Croquis au Pentel (photo perdue)

    D et E   Croquis aux feutres de chez Action (3 couleurs)

    G           Croquis au Pentel (reprise de D)

    F          Dessin à la plume (encre noire et blanche) sur papier coloré (vert de gris)


    SWASTHI
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    Croquis formation module 3  Style dessins à l’encre des illustrateurs de la fin XIX, début XXe (2/3)

    C’est une époque où les mouvements Art and Craft (Grande Bretagne), Modern style (USA) et Art Nouveau (Belgique/France) se développent.

    Je me suis intéressée tout particulièrement à une figure américaine de cette période. Franklin Booth (1874-1948 USA). Artiste autodidacte, il s’est beaucoup fait connaitre par son style réaliste qui imite les gravures sur bois. Parfait technicien du travail de la ligne et du trait à l’encre.

    Pour en citer d’autres de même lignée :   Maxfield Parrish (1870-1966, USA), Joseph Clément Coll (1881-1921, USA) mais aussi en France avec Gustave Doré (1883-1932).

    Néanmoins, Franklin se démarque car il a développé une approche toute personnelle du travail à l’encre. Isolé dans une ferme de l’Indiana, il a appris le dessin tout seul en copiant les illustrations des magazines qui à l’époque étaient des gravures sur bois en fait.

    J’ai choisi cet artiste parce qu’il me permet de poursuivre un style dans la même lignée des principes développés précédemment avec Vincent Van Gogh mais en allant encore plus loin dans le travail du trait., Nous retrouverons donc dans son travail l’utilisation de la densité et de la direction des traits pour installer des valeurs et du volume dans la composition. Sauf que le dessin de Van Gogh est plutôt basé sur l’impression, la suggestion alors que celui de Booth est très réaliste et riche pour ne pas dire complexe. Van Gogh présente un trait souple, Booth une ligne précise.

    Franklin Booth n’utilise quasiment jamais de lignes de démarcation entre les différents éléments du dessin. Il utilise les contrastes et le clair-obscur pour figurer les limites des différentes parties. Seuls quelques éléments spécifiques peuvent posséder des lignes de démarcation comme les nuages dans le ciel par exemple.

    Son style est un mélange étonnant de source antique et d’art impressionniste. Des scènes à la fois majestueuses et aériennes, ont été conçues avec des milliers de lignes, chacune placée dans la position précise par rapport à sa voisine pour fournir juste la bonne densité et l’ombre nécessaire. La maîtrise est immense, presqu’inimitable.

    Le contrôle que Booth était capable d’exercer sur ses lignes et son approche unique était exceptionnelle et c’est  sans aucun doute pourquoi il a suscité tant d’engouement. C’était un artiste génial, tout comme Van Gogh l’était. Tout comme Van Gogh sa technique a été 100 fois imité mais jamais égalé. Car son génie ne résidait pas seulement dans sa dextérité avec sa plume. C’était aussi un compositeur hors pair et un visionnaire créatif. Booth ne dessinait pas que des objets, il pouvait illustrer des concepts parfois même abstraits qui « élevait » l’observateur vers un idéal presque palpable. Son travail fait appel à l’esprit.

    Et je pense que ce qui a suscité beaucoup d’intérêt sur ses œuvres à l’époque et aujourd’hui encore, ce sont le talent et les compétences en composition qui étaient manifestement absents de ses imitations contemporaines.

    Surtout lorsque l’on sait que cet artiste dessinait et encrait ses œuvres par zone, en commençant par le haut et à l’opposé de sa main qui dessine pour ne pas salir le support. Une fois la section complétée et détaillée à l’encre, il poursuivait son croquis au crayon sur une autre partie du dessin et ainsi de suite. Techniquement, cela devait être extrêmement difficile de conserver un motif, une densité de lignes, cohérents et réguliers en utilisant cette méthode mais cette approche fragmentaire était sa norme.

    Ses dessins sont littéralement inondés de lignes d’encre, mais il y a toujours comme une ouverture lumineuse dans ses illustrations, ce qui semble incroyablement contradictoire (densité et ouverture).

    Aujourd’hui, ces dessins et affiches originaux sont toujours recherchés par les collectionneurs car ils sont d’une qualité exceptionnelle.

    L’art et l’attrait universel du style de Booth ont influencé les artistes tout au long du XXe siècle. Vous en retrouverez l’influence parmi les artistes tels que :

    Virgil Finlay (1914-1971, USA), célèbre illustrateur de science-fiction, pulp fantasy et d’horreur.

    Roy Krenkel (1918-1983, USA), copieur sans vergogne des œuvres de Booth

    Frank Frazetta (1928-2010, USA), artiste de science-fiction, bédéiste, illustrateurs. Il fut surnommé le « Parrain de l’art Fantaisiste du XXe ».

    Bernard Albert Wrightson, (1948 – 2017, USA) connu sous le nom de Bernie Wrightson, illustrateur de Frankeinstein dont le style est clairement inspiré de celui de Booth et de BD d’horreur.

    Marc Silvestri (1958, USA). Bédéiste, éditeur.

    VIDEO https://www.youtube.com/watch?v=BQJcOw6eU2I

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    SWASTHI
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    Formation croquis module 3  Technique du lavis et hachures (3/3)

    Le lavis est une technique picturale consistant à n’utiliser qu’une seule couleur (à l’aquarelle ou à l’encre de Chine) qui sera diluée pour obtenir différentes intensités de couleur

    L’objectif : S’initier au travail du « lavis et hachures » de manière dynamique, spontanée. Cette technique peut aussi être plus poussée, plus classique, plus raisonnée. Mais j’ai choisi pour l’étude d’un style de croquis d’explorer une technique de dessin avec des contraintes de temps courtes.

    Il m’a été primordial d’aller observer les œuvres des artistes qui ont maîtrisé cet art pour tenter de le comprendre. Il me semble en effet impensable d’apprendre la musique sans en écouter ! Il me faut me forger un regard, une culture et comprendre comment utiliser les matériaux qui sont à ma disposition et ainsi ceux qui me correspondent le mieux. En tout cas, c’est ma démarche dans cette formation.

    J’ai sélectionné deux artistes célèbres pour leur maitrise du croquis rapide au lavis : Rembrandt (1606-1669, hollandais) et Honoré Daumier (1808-1879, français). 2 siècles les séparent mais ils partagent pour moi le même talent à capter l’expression humaine. L’un de façon réaliste, l’autre de manière caricaturale. De bonnes sources pour m’instruire à « croquer » rapidement des personnages.

    Rembrant Harmenszoon van Rijn: Le vrai nom de ce célèbre peintre est tellement compliqué que je comprends pourquoi l’histoire n’a retenu que son prénom (L’artiste a ajouté un « D » a son prénom en 1633). Pour rappel « il est généralement considéré comme l’un des plus grands peintres de l’histoire de la peinture, notamment de la peinture baroque, et l’un des plus importants peintres de l’École hollandaise du xviie siècle. Rembrandt a également réalisé des gravures et des dessins et est l’un des plus importants aquafortistes de l’histoire » (source wikipédia).

    Ceci étant dit, je m’intéresse pour cette étude qu’à certaines de ses œuvres au lavis. Pas question ici d’analyser toute son œuvre.

    Techniquement, j’ai constaté qu’il ne crayonne même pas sa base, il part directement au dessin à la plume avec des gestes rapides et spontanés et le lavis vient par tâches pour obscurcir les ombres et lui donner de la profondeur. Donc une base dynamique avec un dessin direct à la plume et quelques hachures puis un lavis qui soutien ce dessin et lui donne de la profondeur. Il semble la plupart du temps privilégier le lavis a une seule couche ce qui démontre un geste sur et la nécessité de « capter » un moment rapidement.

    Je suis admirative de son travail dans lequel les ratures, les bavures, les tâches et les erreurs ne sont jamais un obstacle pour la compréhension du dessin. C’est une grande leçon pour moi car accepter les accidents font partie du jeu et j’ai encore du mal avec ça.

    Honoré Daumier. Je l’ai choisi parce qu’il y a eu une exposition de ses œuvres dans ma commune en 2017 sur « L’art de la caricature et la liberté d’expression » et que ces dessins m’avaient fortement impressionné.

    Daumier est pour ceux qui l’ignorent un graveur, un caricaturiste, un peintre et un sculpteur français du XIXe siècle. Ses œuvres commentaient la vie sociale française de son époque et ses caricatures d’hommes politiques et satires du comportement de ses compatriotes sont restées célèbres. Daumier est considéré de nos jours comme l’un des plus grands peintres français du XIXe siècle. Comme pour Rembrandt, je ne m’intéresse qu’à certain de ses dessins pour cette étude mais je vous invite vraiment à aller explorer ses œuvres. C’est un précurseur et un influenceur notable dans le monde de la caricature et de la BD.

    Le dessin A que je présente de Daumier est très intéressant. Il est fait avec deux passages de lavis. Il y a eu une construction au crayon puis un premier passage de lavis (gris) sur l’arrière-plan ce qui assombrit la scène et détache les personnages puisqu’ils sont blancs sur fond gris. Le même lavis ombre les visages. Puis un second passage (foncé) vient rehausser le visage de gauche ainsi qu’un travail de hachures ce qui rend ce personnage un peu plus important que celui qui est à côté de lui.

    Daumier utilise couramment cette approche pour focaliser sur un personnage juste par un jeu appuyé des valeurs et contraste. Il en accentue les contours et les tonalités pour mettre l’accent dessus. Autre exemple avec le dessin B. Dans le dessin E, même principe, ici on voit bien qu’il compose ses dessins en utilisant les valeurs par bloc. D’ailleurs si on s’amusait à modifier les blocs dans cette composition, cela donnerait des variations intéressantes.

    Le dessin C, un portrait rapide qui a été réalisé avec deux passages de lavis puis un troisième passage pour rehausser de hachures directionnelles plus foncées. Cela donne 4 valeurs : le blanc du papier, un premier lavis de gris puis un second lavis du même gris superposé ou légèrement plus soutenu et une rehausse d’hachures directionnelles de valeur foncée. Le dessin D est basé sur le même principe mais les rehausses sont faites au graphite (hachures) et au pinceau.

    Cette technique au lavis peut se développer de manière plus académique. Dans ce cas, une bonne base de construction au crayon est nécessaire avant de passer au travail à la plume. Le trait va être plus sage, plus précis et les lavis plus raisonnés. Les lavis sont alors appliqués par couches superposés ce qui donne un rendu plus classique et un réel travail sur les valeurs. Souvent on utilise un passage de lavis dans l’arrière-plan et progressivement le nombre augmente jusqu’au premier-plan qui peut en supporter jusqu’à 5 voire plus. Je n’ai pas développé ce style.


    SWASTHI
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    Croquis formation module 4       Véhicules anciens représentés avec différents médiums

    1 Dessin sur photo: véhicule vintage. 1934. Voisin C27 aérosport. Médium: Crayons graphites (je ne voulais pas finir cette formation sans tenter de dépasser ma résistance face à ce médium).

    Ici, j’ai eu des difficultés dans le tracé des cercles en perspective parce que je n’avais pas assez poussé, je pense, ma construction de base. Il aurait faire un peu plus que des segmentations avec des roues et des phares en perspective pour être certain du tracé. Je verrais cela en formation dessin. En gommant, j’ai aussi un peu perdu les lignes de construction de base.

    2.


    SWASTHI
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    Formation Croquis module 4

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    Formation croquis module 4

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