Salut à toi compagnon dessinateur,
Voici les conseils en dessin que j’aurais aimé recevoir lorsque j’ai commencé. Ils m’auraient fait gagner beaucoup de temps, d’énergie, et d’argent. Ce qui suit est un condensé de toutes les erreurs que j’ai commises et les techniques qui m’ont aidé à progresser plus rapidement en tant qu’autodidacte.
Ces conseils s’avèrent plus précieux qu’un cours de dessin classique. Il se base non seulement sur mon expérience personnelle en tant que dessinateur, mais aussi sur celle que j’ai acquise en tant qu’instructeur. J’ai eu la chance de voir passer des dizaines de milliers de dessinateurs sur mon blog, et j’ai accompagné de près plus d’une centaine d’entre eux en un temps relativement court.
Je pense avoir une bonne idée des difficultés que rencontrent la plupart de mes élèves, peut-être même plus qu’un professeur de dessin traditionnel, formé dans un cadre académique. C’est pourquoi je souhaite partager avec vous des conseils en dessin qui vous aideront à éviter de nombreux obstacles inutiles.
Je vous recommande de marquer cette page dans vos favoris et d’y revenir souvent pendant votre apprentissage. Cela vous évitera bien des tracas. Ceux qui me connaissent savent à quel point je suis dévoué à la cause du dessin et à mon travail. Je ne partage rien à la légère sur ce blog, et je m’efforce toujours d’être aussi transparent que possible sur ce que je pense vraiment.
Maintenant, sans plus attendre, plongeons directement dans le vif du sujet. Je vais répondre une bonne fois pour toutes au top 10 des questions les plus fréquentes que me posent les dessinateurs débutants et amateurs.
Chapitres
conseil 1
Le dessin est-il un don?
Cette remarque naïve, on me l’a faite d’innombrables fois: “vous avez le don du dessin, je vous envie!”.
Pour quelqu’un qui a travaillé sans relâche en autodidacte pendant plus de 12 ans, cette remarque peut s’avérer très vite déplacée, voire blessante (aujourd’hui elle ne l’est plus car j’ai acquis bien trop de répartie sur le sujet). C’est comme si on me disait: “tu ne mérites pas ta compétence, c’était un cadeau de mère nature”. Et tout le travail derrière alors ? ça ne compte pas ? Surtout que je n’étais pas un enfant spécialement doué à l’origine.
Ce qui me fait tendre à croire que certaines personnes en sont encore à l’âge du miroir: s’ils n’ont pas vu, c’est que ça ne s’est jamais passé…
Rappelons à ceux qui croient encore aux miracles : personne ne naît avec un crayon à la main.
Voici à quoi ressemblait mon niveau à 25 ans, on est loin d’un talent inné légendaire :
conseil 2
Combien de temps pour apprendre à dessiner?
“6 mois, 2 semaines, 4 jours et 3 heures”: C’est le genre de réponse que je peux lâcher un peu sarcastiquement à ceux qui me posent la question. Je ne crois pas me l’être posée une seule fois, même si au fond de moi j’ai trouvé le temps très long.
Ce que je veux dire c’est qu’il est impossible de répondre à cette question, car cela va dépendre de nombreux facteurs: motivation, capacité d’attention, régularité, temps disponible, théorisation… autant de paramètres complètement personnels.
Et d’ailleurs la notion de “savoir dessiner” reste très subjective. Chacun a sa propre définition et ses objectifs. Par exemple, dessiner avec des formes simples d’imagination est tout à fait différent de dessiner d’observation et de manière réaliste. Pour moi, savoir dessiner, c’est pouvoir aligner deux traits et transmettre un message ou une émotion, quel que soit le style. Le dessin est un langage non verbal puissant, presque télépathique, qui ouvre à une liberté infinie.
Un apprentissage efficace se construit dans le temps, en combinant théorie et pratique. Dessiner régulièrement, même 30 minutes par jour, est plus bénéfique que de passer 10 heures une fois toutes les deux semaines. Il est important de ne pas chercher des raccourcis et de se concentrer sur l’essentiel pour progresser durablement. Il s’agit d’un marathon, pas d’un sprint.
Certains dessinateurs débutants cherchent à progresser rapidement en copiant des images trouvées sur google image ou Pinterest, d’autres travaillent plus intelligemment, sans copier littéralement (voir cet article). S’inspirer de photos est essentiel, mais savoir s’en détacher est une étape que doit planifier l’amateur dans son apprentissage, s’il désire se dépasser.
Il est possible d’apprendre les bases du dessin en deux mois. mais atteindre des objectifs ambitieux en si peu de temps est irréaliste.
conseil 3
Quel matériel faut-il pour débuter?
Si vous débutez le dessin, le matériel de base est plus simple que vous ne le pensez. Un crayon HB, une feuille d’imprimante et une gomme dure sont tout ce qu’il vous faut pour apprendre les bases du dessin. Se disperser en achetant une tonne de matériel peut sembler motivant, mais c’est souvent une erreur. Nombre de débutants cherchent à compenser leur manque de technique avec des outils sophistiqués, mais cela finit généralement par être un gaspillage.
En réalité, l’investissement le plus précieux que vous puissiez faire est celui dans un bon pédagogue, plutôt que dans du matériel coûteux. Apprendre seul peut être long et frustrant, surtout si vous êtes tenté d’utiliser des médiums et outils divers pour masquer les défauts de vos dessins. Le matériel ne fera pas de vous un meilleur artiste; seules la pratique régulière et une bonne compréhension des bases du dessin le peuvent.
Ainsi, plutôt que de vous encombrer d’outils complexes, concentrez-vous sur l’essentiel et apprenez à aimer le processus de création, même avec des moyens simples. Cela vous aidera à éviter les mauvaises habitudes et à progresser plus rapidement.
En résumé
L’outil ne fait pas le moine. Ce n’est pas parce que vous utilisez le même matériel que votre artiste préféré, que vous allez réussir aussi bien que lui. Ce qui compte, c’est la pratique, la persévérance, et la volonté d’apprendre correctement dès le début, sans chercher à dissimuler ses erreurs.
conseil 4
Pourquoi je stagne après des années de pratique ?
D’après mon expérience, on peut dessiner toute une vie sans progresser. Beaucoup de dessinateurs se contentent de copier sans réfléchir, ce qui limite leur progression. Copier des images améliore la vitesse d’exécution et la confiance, mais ne développe pas la compréhension profonde des concepts artistiques essentiels, comme la lumière ou la composition.
Le véritable progrès en dessin nécessite des objectifs clairs et des exercices ciblés. Apprendre à dessiner d’imagination, par exemple, demande une pratique spécifique et une compréhension des bases du dessin, loin de la simple copie. Se contenter de répéter les mêmes erreurs ou d’éviter les exercices difficiles conduit souvent à une stagnation.
Comme l’a si bien dit Vince Lombardi :
Practice does not make perfect. Only perfect practice makes perfect.
La pratique ne rend pas parfait. Seule une pratique parfaite rend parfait.
Le problème vient du fait que lorsqu’on s’entraîne sans objectif précis, on stagne. D’où le fait de cibler ses exercices selon ses objectifs et ne pas hésiter à demander conseil à des experts, pour aller au-delà de la simple copie.
Je préfère enseigner à des débutants, car ils n’ont pas encore pris de mauvaises habitudes. Pour ceux qui veulent progresser, il est essentiel de changer de méthode et de mettre de côté votre fierté.
Il est crucial de remettre en question ses habitudes et de se libérer de la peur du jugement pour progresser. Apprendre les bases, comprendre le “pourquoi” derrière chaque technique, et pratiquer intelligemment sont les clés pour surmonter cette stagnation.
Donc le fait que vous ayez 2, 5 ou 10 ans d’expérience ne veut tout simplement rien dire, surtout si votre expérience se limite à de la copie décérébrée et aléatoire. Si j’avais su tout cela avant, j’aurais travaillé 2 ans intelligemment pendant que j’apprenais les bases, versus 10 ans en stagnant avec un travail anarchique et non ciblé.
conseil 5
Peut-on apprendre à dessiner sur tablette ?
Oui c’est possible, mais je ne le conseille pas du tout.
Quelle que soit la technologie utilisée, rien ne paraît plus naturel et facile que le dessin sur papier. Comme tout outil ou gadget, l’ordinateur ne sauvera pas le dessinateur, et ne lui épargnera pas d’apprendre les bases du dessin.
Apprendre à dessiner sur tablette d’emblée, en pensant que ce sera plus facile, me paraît être complètement inapproprié, car il faut à la fois apprendre le logiciel et apprendre la technique du dessin (qui prend déjà toute notre attention au début). Si la personne connait bien son matériel et son logiciel, c’est tout à fait possible et je n’y vois pas d’inconvénient.
Mais pour une personne qui n’y connait pas grand chose en ordinateur, et qui ne connait pas son logiciel, je ne pense pas que ce soit une bonne idée, car cela mène tout droit à l’abandon, ou à négliger les bases.
Je vois trop de jeunes artistes peignant de beaux effets, sur des scènes complètement bancales, alors qu’ils gagneraient plus de temps à apprendre les bases du dessin en premier, puis seulement ensuite essayer d’embellir leurs peintures avec des effets plus complexes.
conseil 6
Prêt pour le digital painting ?
Si vous essayez de dissimuler vos lacunes en perspective et en anatomie sous une tonne de textures et d’effets. C’est le signe que vous n’êtes pas prêt.
Plutôt que de vouloir faire du speed painting et faire genre que vous travaillez vite (et mal bien souvent), pourquoi ne pas travailler un peu plus longtemps et soigner la qualité.
Un bon digital painting demande du temps et de l’attention dans les détails.
Croyez-vous que vos artistes préférés montrent des travaux bâclés dans leur portfolio?
Non, ils montrent tout simplement leurs meilleures pièces, et certaines créations peuvent prendre plusieurs semaines. Littéralement.
Oubliez les belles illustrations léchées en 6h, à moins d’utiliser des morceaux entiers de photos ou de 3d, mais cela ne vous apprend pas à peindre ni à dessiner, mais à « photobasher ». C’est un autre art; on parle d’une discipline dérivée, adaptée pour le divertissement et les contraintes de production.
conseil 7
Un niveau est requis pour dessiner mes projets ?
Attendre de “bien savoir dessiner” avant de se lancer dans des projets personnels est une grave erreur.
La meilleure motivation vient souvent en travaillant sur ses propres projets. Les perfectionnistes, freinés par leurs limites techniques, risquent la procrastination, la frustration, voire l’abandon. Avoir des projets personnels, et spécialement quand ils sont réalisés en groupe (ex: bd, mini-jeu vidéo entre amis, projet collectif, etc.), est extrêmement stimulant et peut accélérer la progression.
J’ai vu des artistes progresser 10 fois plus vite que d’autres rien qu’en étant portés par leur propre projet. Il est donc préférable de commencer dès maintenant, même si toutes les bases ne sont pas encore maîtrisées.
Il est essentiel de combiner l’apprentissage des bases avec la réalisation de projets. L’attente de la perfection ne doit pas devenir un obstacle, car elle n’existe pas. Le plus important est de se lancer, de résoudre les problèmes techniques au fur et à mesure, et de ne pas se laisser paralyser par un objectif irréaliste.
Pour ma part j’ai commencé à dessiner des petites bandes dessinées ridicules pour mon frère quand j’avais 14 ans, puis j’ai pratiquement arrêté de dessiner entre 17 et 25 ans, avant de reprendre de plus belle avec des projets personnels en même temps que l’apprentissage des bases du dessin.
Il n’est donc jamais trop tôt pour commencer à créer. Perfectionnistes, prenez note !
conseil 8
Études artistiques : Indispensables pour travailler ?
Pas besoin de diplômes pour trouver du travail dans le dessin. Ce qui compte, c’est l’envie de réussir.
Les entreprises et clients en tous genres ne se fient qu’à trois choses : un bon portfolio, la capacité à communiquer et la rapidité de production.
Dans le milieu artistique, les diplômes ne garantissent ni compétence ni prestige, sauf exceptions.
Le véritable défi, c’est de maintenir sa passion créative. Ceux qui réussissent sur le long terme sont ceux qui sont motivés, qui agissent plutôt que de parler, et qui sont prêts à faire des sacrifices.
Il faut savoir aussi qu’il est plus difficile de prendre du plaisir quand on est professionnel, car on ne fait pas toujours ce qu’on veut.
Il est important de croire en soi, de sortir de sa zone de confort, et de s’engager activement dans son développement personnel.
Avoir un bon enseignement aide beaucoup. Certaines écoles comme les Gobelins sont mondialement réputées mais laissent peu de place aux “vieux” comme moi et sont parfois bien trop chères pour le budget d’un étudiant modeste.
Apprendre seul est possible, mais difficile sans motivation. C’est pourquoi des communautés comme celle-ci existent pour soutenir et inspirer.
conseil 9
Apprendre la perspective est-il obligatoire ?
Oui, il est pour moi obligatoire de comprendre le dessin en perspective si on veut se détacher de la copie bête et méchante (à moins de produire de l’art abstrait ou naïf).
Il faut se souvenir que tout ce qui entre dans le champ de vision humain est soumis à la perspective, car c’est la perception du monde que l’humain a par nature. c’est un fondement visuel incontournable. Mieux vaut l’apprendre dès le départ pour éviter de mauvaises habitudes ancrées à vie!
Cependant, personne ne nous demande d’être aussi bon qu’un architecte et il n’est pas nécessaire d’avoir fait 10 ans d’études en trigonométrie.
La perspective c’est avant tout du bon sens, avant d’être de la géométrie. Et ce bon sens s’apprend pour la vie. Il suffit de prendre la décision de s’y plonger une bonne fois pour toutes, pour être plus libre ensuite dans sa créativité.
J’ai créé récemment un petit cours de dessin en perspective que voici:
Avec quelques principes de base, vous pouvez maîtriser la perspective en quelques jours ou semaines. Plutôt que de copier des images trouvées sur internet, apprenez à dessiner des objets simples de mémoire et en perspective. Cela vous libérera dans votre créativité et vous évitera de stagner.
Oui au début, il faudra construire toutes les lignes de fuite, tous les points de fuite, mais avec l’expérience, il deviendra plus facile d’imaginer la plupart des constructions des formes géométriques dans l’espace, et c’est là qu’on commencera à se faire plaisir.
conseil 10
Comment trouver mon style?
Une bien vaste question… j’en ai parlé dans cet article pour les intéressés: comment trouver son style.
En tant qu’enseignant, j’évite d’opter pour un style particulier pour pouvoir enseigner tout ce qu’il est possible d’enseigner, même si malgré moi certaines habitudes s’installent.
Cela ne m’empêche pas d’analyser et d’adopter un style particulier quand j’en ai besoin.
Cela est très pratique pour travailler sur une multitude de projets différents et ça permet de ne pas s’ennuyer.
Inspirez-vous de divers artistes pour définir votre propre style. Objectivement, mes artistes préférés ont tous un point commun: Ils connaissent parfaitement les bases du dessin ou de la peinture, et ne s’inspirent pas que d’un seul et unique artiste. Ni plus ni moins. Vos inspirations multiples vont définir votre style. Vous inspirer de sources variées en les combinant avec votre propre expérience vous permettra de sortir du lot.
conseil 11
Quels exercices pour les débutants ?
Au tout début, il est essentiel de se concentrer sur des exercices simples. Plutôt que de recopier des personnages ou des planches d’anatomie, commencez par dessiner des objets usuels non organiques, comme une théière ou une nature morte. Même si cela peut sembler peu excitant, cela permet de développer vos compétences fondamentales. Pour optimiser votre apprentissage, privilégiez la qualité à la quantité en travaillant sur une seule chose à la fois.
Un excellent exercice pour débutants est de dessiner 1000 cubes en perspective, en variant les angles (plongée, contre-plongée, horizons différents) et en essayant de vous détacher progressivement des traits de construction. Cela vous aidera à intégrer les principes de base de la perspective.
A partir de là, on peut garder ces principes de perspective simple en tête et les appliquer sur des objets un peu plus complexes.
Par exemple, une des choses où mes élèves ont bien du mal est le dessin d’ellipse (cercle en perspective). Sans l’ellipse, on ne va pas très loin en dessin. Par exemple pour dessiner un personnage, il faudra maîtriser cette ellipse pour être plus à l’aise avec les cylindres qui représentent les formes simples de base pour le dessin des bras, des jambes, ou des mains, entre autres.
Voici une vidéo où j’explique le dessin d’une ellipse:
Bien sûr, rien ne vous empêche de vous amuser en parallèle avec des dessins d’observation. Cependant, apprendre à construire des formes simples sans référence vous introduira progressivement au dessin d’imagination.
Ces premiers conseils en dessin vous aideront à poser des bases solides pour progresser efficacement.
conseil 12
L’importance de la construction
La construction d’un dessin est essentielle et vous devriez la prendre au sérieux, autant que vous preniez au sérieux les adultes quand vous étiez jeunes. Avec le temps et l’expérience, on peut se permettre de dessiner sans construction, mais c’est un luxe réservé aux artistes chevronnés.
Ne vous comparez pas à ceux qui dessinent depuis des années sans construction. Même si leur pratique a été moins structurée, leur expérience leur donne un avantage. C’est pourquoi, pour un débutant, les 20% du temps passés sur la construction sont bien plus importants que les 80% consacrés aux détails. Concentrez-vous à 80% sur les premiers 20% de votre dessin. Donc utilisez 80% de votre concentration sur les premiers 20% de votre travail.
À noter !
Un bon conseil : assurez-vous que chaque étape de votre dessin est expressive et esthétique. Si quelque chose cloche, effacez ou recommencez immédiatement. Des traits mal placés au début peuvent gâcher tout le dessin, même si vous y ajoutez de beaux détails plus tard.
Bien démarrer, c’est s’assurer d’un dessin réussi. Aucun détail ou effet ne pourra jamais compenser une mauvaise construction.
conseil 13
Le cerveau dessine, pas la main
Le dessin ne commence pas avec la main, mais avec le cerveau. Si la main est le pion sur l’échiquier, le cerveau est le roi qui dirige tout. La maîtrise d’un geste vient avec la répétition, mais l’essentiel, c’est de dessiner avec intention. Chaque trait doit être réfléchi et avoir un sens précis.
Cela concerne surtout les traits de construction de départ et les contours des formes principales. Un débutant progressera plus rapidement en se concentrant sur la manière dont les formes s’imbriquent dans la profondeur.
Je montre comment faire avec cet exercice simple.
Il est crucial de ne pas se précipiter au début. Dessiner lentement permet de mieux se concentrer. Avec le temps, vous dessinerez plus vite, car votre réflexion sera plus rapide. Paradoxalement, pour réfléchir plus vite, il faut d’abord prendre le temps de bien réfléchir dès le départ.
conseil 14
Design et construction
Comprendre le design d’un objet, c’est savoir décomposer l’objet selon 5 formes élémentaires: sphère, parallélépipède, cylindre, cône, pyramide.
Voilà les étapes de décomposition d’un dessin. Cela peut varier selon le sujet, mais ma méthode est basée sur deux perceptions principales:
- La perception 2d
- La perception 3d
Pour expliquer simplement, la perception 2D se concentre sur l’aspect graphique à plat, comme les contours externes et les aplats de valeurs. C’est souvent la méthode instinctive des débutants. On peut l’améliorer par des techniques comme la segmentation ou la restriction de la palette des tonalités, que j’enseigne dans ma formation croquis.
La perception 3D, en revanche, manque souvent chez la majorité des dessinateurs. Elle implique la compréhension de la perspective et la construction en formes simples dans l’espace. Combiner ces deux perceptions vous permet de passer d’un niveau basique à un niveau expert en dessin.
Il faut environ 1 à 2 ans pour bien ancrer ces bases dans le cerveau, avec des exercices ciblés plutôt qu’un travail acharné. L’important est de consulter les bonnes ressources et d’éviter les distractions inutiles.
Sur internet, on trouve de tout, mais il est crucial de ne pas se laisser séduire par des vidéos divertissantes sans substance. Beaucoup imitent des artistes sans maîtriser les bases, une erreur fréquente qui mène souvent à l’échec.
Travailler sur des effets complexes sans avoir saisi les fondements du dessin, c’est comme mettre la charrue avant les bœufs. Cela ne fait qu’embrouiller l’esprit avec des informations inutiles, menant à une perte de temps.
À l’ère des réseaux sociaux, il est facile de se perdre dans le divertissement passif, à observer ce que font les autres sans jamais progresser soi-même. Pour éviter cela, il est essentiel de se concentrer sur les fondamentaux et de rester actif dans son apprentissage.
conseil 15
Les détails : La touche finale
Les détails, les textures, bien que moins importants que la construction, apportent quand même un rapport d’échelle/une dimension non négligeables au dessin.
Comparons un dessin avec et sans les détails.
Les deux sont corrects, mais l’un a l’air plus fini et surtout plus grand, alors que sur la page ils semblent faire la même taille.
Cet effet de dimensionnalité n’est pas seulement dû aux traits de texture à l’intérieur des contours, mais aussi à la complexité de la structure.
conseil 16
Rôle de la vignette
Travailler sans vignette, c’est comme partir en voyage sans plan ou carte. Le risque de se perdre en cours de route est élevé, et ce qui devait être un projet prometteur peut rapidement déraper.
C’est pareil en dessin : s’attaquer directement à un grand format sans avoir préalablement préparé de vignette, c’est s’exposer à des erreurs de composition qui pourraient compromettre l’ensemble du travail.
Une vignette sert de guide, une étape essentielle pour s’assurer que l’idée initiale fonctionne sur un petit format avant de se lancer pleinement.
Et ne croyez pas que c’est un simple exercice de routine. Les vignettes permettent d’expérimenter la composition, de tester les valeurs, et s’assurer que l’ensemble est cohérent. Elles vous sauvent des heures de travail gâché. En plus, cela vous aide à garder une vision d’ensemble et à ne pas vous perdre dans les détails trop tôt.
Prendre le temps de faire des vignettes est un investissement judicieux. Cela vous protège des erreurs coûteuses en temps et en effort, et garantit que votre dessin final sera aussi plus solide.
conseil 17
Dessin de mémoire : La clé pour dessiner d’imagination
Dessiner de mémoire signifie maîtriser et retenir les formes élémentaires qui constituent un objet. C’est un processus essentiel pour ceux qui souhaitent dessiner d’imagination, car rien n’arrive sans effort.
Comme on dit, “pas de bras, pas de chocolat.” Si vous ne stimulez pas régulièrement votre mémoire visuelle, vous risquez de rester coincé dans une approche purement mimétique, comme une photocopieuse, même après des années de pratique.
Si vous voulez évoluer et sortir de cette routine, commencez dès maintenant par cet exercice. C’est un changement d’habitude nécessaire pour progresser.
conseil 18
Aimer le procédé pas la finalité
La vie, c’est maintenant, pas hier ni demain. Si vous voulez faire quelque chose d’important, que ce soit dans le dessin ou une autre activité, commencez dès maintenant. Attendre des conditions parfaites est une illusion; le meilleur moment pour agir est toujours aujourd’hui.
Procrastiner en pensant que demain sera mieux ne fait que retarder votre progression. Chaque jour est une nouvelle opportunité pour avancer, alors faites la vie dure à vos meilleures excuses et évincez les.
Trop attendre peut créer une pression inutile et une peur de l’échec. Rappelez-vous, aucun projet n’est parfait et ne doit l’être. Un dessin est fondamentalement imparfait, et c’est cette imperfection qui fait sa beauté et qui vous définit en tant qu’artiste.
Embrassez vos différences et utilisez-les à votre avantage. Mettez toute votre passion dans votre travail, et cela se ressentira : les autres s’y intéresseront naturellement. L’esprit humain est attiré par l’authenticité et la passion, pas par la demi-mesure.
Si vous êtes arrivé jusqu’ici, merci de votre lecture.
Comme d’habitude, n’hésitez pas à partager vos pensées, ou à poser des questions en commentaires.
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Formation complète
Les bases du dessin
Pit Graf
Créateur du blog Apprendre à Dessiner
Ancien kinésithérapeute recyclé en prof de dessin.
Toujours partant pour parler apprentissage du dessin et pour faire l’âne sur ses vidéos.
